miércoles, 23 de mayo de 2012

Definiciones y funciones de la literatura

La literatura, entendida como el conjunto de textos producto del arte de la palabra, es un término polisémico, por lo que podemos encontrarnos con diversas definiciones de carácter estructural, funcional o semiótico. Vayamos una a una.

DEFINICIONES FUNCIONALES
En este tipo de definiciones se tienen en cuenta los rasgos extrínsecos de la literatura. Se considera la literatura en un sistema más amplio. Por ejemplo el marxismo considera la literatura como un fenómeno histórico, como forma de conocimiento y como una forma de apropiación intelectual de la realidad (materialismo dialéctico). El marxista Terry Eagleton afirma que la literatura es una práctica discursiva más. Su compañero Stanley Fish asegura que la literatura depende de la comunidad interpretativa.

DEFINICIONES ESTRUCTURALES
Estas definiciones se centran en los rasgos intrínsecos o "rasgos de lo literario".
Según Todorov, la literatura es aquella obra de ficción que posee un lenguaje autotélico (lenguaje literario, distinto del cotidiano). Dentro de las definiciones estructurales nos encontramos con distintas corrientes, como la aristotélica y la de teorías clasicistas.
Aristóteles decía que la poesía (o literatura) era un medio de imitación, tanto en prosa como en verso (no necesariamente en verso). La poesía es imitación y la imitación es connatural al ser humano. Esta imitación especial del arte poético se reorganiza en las fábulas. Otro concepto importante para Aristóteles (además del de imitación) es el concepto de verosimilitud. Pues el arte poético, en tanto que refleja la realidad (o lo que podría ser real) necesita que sea verosímil, creíble.
Teorías Clasicistas. Los defensores de estas teorías fueron seguidores de Aristóteles. Nos encontramos, por un lado, a López Pinciano, del siglo XVI. Está de acuerdo con la definición de literatura de Aristóteles y añade que existen dos tipos de imitación: la natural (la que lleva a cabo el niño) y la artística (la que realiza el poeta). Por el otro lado, está Ignacio de Luzán (siglo XVIII). Éste defiende que la imitación puede ser Universal (fantástica) o particular (icástica). Además, asegura que la imitación puede ser invención (imitación de actos humanos) o enargía (imitación de la naturaleza). Asegura también que la razón y la verdad, controlan la VEROSIMILITUD. Algo razonable, que atienda a las leyes de la razón, es creíble y como lo es, no tenemos por qué pensar que no lo sea. Algo es verosímil porque la razón nos dice que es posible y por tanto, no dudamos.


DEFINICIONES SEMIÓTICAS
Cuando se unen las definiciones funcionales y estructurales, surgen las denominadas definiciones semióticas. Tienen la literatura como un proceso de comunicación con características especiales. Tienen en cuenta los procesos comunicativos de la literatura y Lázaro Carreter nos habla sobre la particularidad de los elementos de la comunicación (receptor, emisor, texto...). Nos habla también del contexto, asegurando que éste no es necesariamente compartido por autor y receptor, ya que la obra misma conlleva su contexto propio.


Bien. Pasemos ahora a tratar sobre las funciones de la literatura. Podemos utilizar los tópicos horacianos dolce (agradable) y utile (útil) para tratar sobre las funciones. Las opiniones se desarrollan entorno a lo moral o inmoral por un lado y al placer y utilidad por el otro. Vayamos en orden cronológico:
ANTERIORES A PLATÓN. Heráclito, Gorgias, Jenófanes. Aseguraban que la poesía era inmoral por su poder seductor y el carácter hechizador de la palabra. Se centraban en la inmoralidad de Homero.

PLATÓN. De pensamientos similares a los arriba citados, pero va más allá: propone la censura incluso la expulsión de poetas de la República. La poesía es inmoral, en tanto que la imitación es falsificación de la realidad, no ayuda al cononocimiento de la VERDAD y es subversiva, ya que, al imitar pasiones, las alienta.

ARISTÓTELES. Contrario a Platón asegura que la poesía es útil (la imitación ayuda al conocimiento) y placentera: la imitación es connatural al hombre y deleita; el efecto catártico de la tragedia purga pasiones mediante la compasión y el temor; el lenguaje poético es dulce y armonioso.

HORACIO: nos encontramos con la doctrina clásica en sus Epístola a los Pisones y Arte poética. Para él, la poesía es dolce (dulce y deleita) y utile (útil y enseña).

CLASICISTAS. Seguidores de Horacio. Pinciano afirma que enseñar y deleitar son condiciones sine quanon para el poeta. Luzán afirma que es útil pues transmite una enseñanza; y dulce gracias a las figuras y recursos poéticos. La belleza proviene de la variedad, unidad, orden y proporción.

MARXISTAS. Georg Lukacs por ejemplo, habla sobre el materialismo dialéctico y retoma los conceptos aristotélicos de imitación y verosimilitud, asegurando que la literatura es una forma de conocimiento realista.




jueves, 15 de marzo de 2012

Variedades de la lengua española

En esta entrada hablaremos de las variedades diacrónicas y sincrónicas de la lengua española.

El castellano o español, como se prefiera, tiene una amplia gama de variedades en función de algunos aspectos. Las variedades históricas son ofrecidas por un punto de vista DIACRÓNICO o cronológico [se diferencia el español arcaico (s. X-XII); español medieval (s. XIII-XV); español clásico o del Siglo de Oro; moderno (XVIII-XIX; y contemporáneo (XX hasta la actualidad)], mientras que desde un punto de vista SINCRÓNICO (no tiene en cuenta el factor de tiempo) tenemos tres tipos de variedades: Diatópicas, diastráticas y diafásicas.

Analicemos cada una de las variedades sincrónicas:

La diatópica o geográfica (se encargan de ella la Dialectología y la Geografía Lingüística) son las variedades de la lengua que se utilizan en los diversos lugares hispanohablantes: constituyen los dialectos. En España se hablan los dialectos históricos (asturleonés y navarroaragonés) y variedades del propio español (extremeño, canario, andaluz y murciano) con acento y fonética propios. No se deben olvidar las zonas bilingües en las que se crea una influencia inevitable en las dos lenguas que conviven (zonas catalanas, gallegas y vascas).

Como curiosidad diré que a pesar de que en América son 19 los países que integran la comunidad hispanohablante, su español es mucho más uniforme que el de España.

La diafásica o funcional se centra en la situación comunicativa que se da, por lo que se manifiesta, no a nivel de lengua, sino de habla. Las circunstancias que se dan (canal del mensaje, tema…) hacen que el hablante deba escoger un registro (del habla) o modalidad: informal o formal.

La Sociolingüística se encarga del estudio de la variedad diastrática o sociocultural. Ésta se centra en la cultura del hablante, así como en su sexo y edad, que dan lugar a los sociolectos clasificados en culto, estándar y popular. Además, existen las extralenguas, que utilizan la misma fonética y gramática que los sociolectos, pero difieren en el léxico. Son las lenguas especiales (lenguaje técnico), jergas profesionales o argots de grupos sociales (juvenil, gitano…)

Las variedades diafásica y diastrática van unidas debido a que para el hablante culto es mucho más sencillo buscar el registro adecuado que para el hablante de menor nivel cultural.

domingo, 5 de febrero de 2012

APORTACIONES DEL BARROCO AL TEATRO UNIVERSAL

Se considera al teatro barroco como revolucionario del teatro universal. Además fue el origen del drama romántico con las obras Don Juan Tenorio o Fausto. Las aportaciones fueron tanto en la teoría (Arte nuevo de hacer comedias de Lope), como en la práctica literaria, sin olvidar las nuevas concepciones universales (mitos).

APORTACIONES EN CUANTO A LA TEORÍA

Lope de Vega teorizó todo todo lo que al drama respecta con su Arte nuevo de hacer comedias. En esta obra aparecen las normas que hacen que una obra sea exitosa. Las normas tratan sobre el lenguaje literario utilizado, la importancia del disfraz varonil en las mujeres (Rosaura en La vida es sueño), la estructura de la comedia en tres actos, adaptación de la métrica a las escenas y personajes.

APORTACIONES LITERARIAS

La presencia de los mitos era un asunto de gran relevancia, al igual que ocurría en la poesía de Garcilaso, pero esta vez, se ajustan tanto a las fuentes clásicas como utilizan solo algún aspecto del mito que resulte relevante para el drama. Los mitos más utilizados son el de Adonis y Venus, Orfeo, Eco y Narciso...

Además de los mitos, la lírica tradicional se convierte en motivo o tema central del drama como en El caballero de Olmedo. La igualdad de la mujer y el hombre (disfrazada ella con atuendos varoniles) es también un tema fundamental.

APORTACIONES EN LA CONCEPCIÓN DE CARÁCTER UNIVERSAL

Fueron muchas las creaciones con el valor universal como tema. Nos encontramos con temas en torno a la justicia en Fuenteovejuna, o la dignidad de las personas en El alcalde de Zalamea. El conflicto moderno del hombre se ve muy bien reflejado en dos obras de Calderón de la Barca:

La vida es sueño
Se conoce como la obra más importante de la creación de Calderón. La obra en sí, es un modo de comprender el mundo. Se trata la situación ideológica del siglo XVII, además de reflejar el conflicto de la época del hombre moderno (libertad, poder, justicia, trascendencia, materialidad). Conviven en la obra algunos aspectos humanistas como que el hombre es centro del universo, en contraposición de otro aspecto más racional que deja patente la inmortalidad del hombre.

El gran teatro del mundo
Resume la importancia del teatro en la época. La concepción universal de la creación del mundo es el tema principal. El universo es un teatro cuyo autor es Dios, los hombres los actores con unas características o atributos recibidos por el creador.

sábado, 4 de febrero de 2012

EL TEATRO EN EL BARROCO

El teatro fue el género fundamental en el Barroco. Si Felipe III gustaba de la pintura y eso tuvo repercusión en la sociedad, Felipe IV fue amante del teatro y también se vio reflejado. Este espectáculo trataba todos los temas trascendentales en la época: los mitos, la historia, el desengaño, la risa, lo fantástico y lo real, la belleza y la fealdad, razón y pasión, erotismo y mística, materia y espíritu... El teatro era fundamental para el pueblo, ya que la mayoría eran iletrados y era un buen modo de acercarse a la cultura y "conocer mundo". Además, implicaba literatura, es decir, tenía un texto.

El teatro resumía la concepción del mundo en aquella época y toda la expresión desbordada de la literatura. Prueba de ello son las obras El gran teatro del mundo, y La vida es sueño de Calderón de la Barca.

El cambio dramático fue espectacular cuando Lope de Vega publicó El arte nuevo de hacer comedias. Aquí expone cada una de las novedades aportadas al teatro, pues éste ya nada tenía que ver con la comedia que necesitaba de las normas clásicas.

El espectador acudía al teatro fundamentalmente por dos cuestiones:
- Buscaba en él la ilusión que no tenía en la realidad. Era un modo de evadirse de todo aquella negatividad que le rodeaba.
- Se sentía reflejado en los personajes de la comedia (comedia = personaje popular; tragedia = personajes nobles)
- Además, los precios eran asequibles y el dinero recaudado se destinaba a los hospitales.

El teatro necesitaba un espacio para la escenificación. El espectáculo popular se realizaba en corrales (comedia) y plazas públicas (autos sacramentales), mientras que el palaciego utilizaba espacios de la corte (palacios y coliseos ubicados en jardines). La inauguración del palacio del Retiro y los jardines de Aranjuez fueron lugares significativos para el teatro, ya que fueron los primeros espacios en los que se realizaron grandes escenografías. El teatro está muy unido al jardín, al igual que a la pintura (en la escenografía, temas y motivos dramáticos).

jueves, 2 de febrero de 2012

LA PROSA BARROCA

En la entrada de hoy se tratarán las modalidades de prosa barroca y sus textos más significativos, como Don Quijote en la Novela moderna, Pérsiles en la bizantina, la vida del escudero Marcos de Obregón o el buscón en la picaresca y Sueños o Criticón en la prosa moral y alegórica.

Todos los géneros de la prosa que se habían iniciado en la época renacentista continúan en el Barroco, aunque se enfatiza el tema de la moralidad y la alegoría. Todos los poetas y algunos dramaturgos (Tirso de Molina) escribieron también en prosa. La obra de Lope de Vega se compone de todo tipo de géneros, desde la bizantina, a la novela corta y a la pastoril. Quevedo hizo uso de todos los géneros [sátira, fantasía moral, política, filosófica, ascética (perfección espiritual y vida modesta) y de crítica]. Gracián dio un empujón a la prosa alegórica y didáctica con su obra Criticón. Pasemos ya a los diferentes tipos de prosa y obras significativas de cada una de ellas.

NOVELA MODERNA

La inauguración de la prosa moderna con El ingenioso Hidalgo Don Quijote de la Mancha de Miguel de Cervantes Saavedra es en la prosa, el suceso más significativo de la época. Se le denomina de esta manera porque es la primera vez que en la novela se refleja el humor, el melancolía, la sátira, a medida que los personajes van haciendo su "viaje". El paso del Renacimiento al Barroco es claro. La obra consta de dos partes: en la primera muestra un sin fin de aventuras de diferentes características, lo que muestra la convivencia de, entre otros aspectos, lo culto y lo popular; en la segunda, la melancolía barroca y el desengaño son las características significativas. A medida que se desarrolla la obra, Don Quijote, protagonista de la obra va recuperando su cordura y pasa de estar ilusionado por cumplir un sueño, aventurero, idealista (Renacimiento) al más crudo desengaño, por el que muere de tristeza (Barroco). Esto ocurre a pesar de que su compañero Sancho se va "quijotizando" e invita al Quijote imitar la vida pastoril de la Arcadia.

NOVELA BIZANTINA

Este tipo de prosa aventurera que podíamos encontrar en el Renacimiento la encontramos también en la obra barroca de Cervantes, Los trabajos de Persiles (Periandro) y Sigismunda. Algunos personajes son: Periandro (Persiles), Antonio, Arnaldo, Auristela. Algunos lugares: isla de Policarpo, Clodio, isla de las Ermintas, Rutilio. Se tratan temas como la pintura, literatura, teatro y aventuras. Además, se da una recopilación o compendio de los conocimientos del hombre barroco (brujería, geografía, ciencia, viaje...). Es la última obra de Cervantes, en cuyo prólogo asegura estar "con el pie en el estribo"

NOVELA PICARESCA

El género picaresco barroco en poco o nada se parece al renacentista. Como única relación o coincidencia es que, tanto el Lazarillo (Renacimiento) como la picaresca barroca tienen un carácter autobiográfico y lineal de la obra, y todo el tema de la marginación social sufrida. Sin embargo, la diferencia es notoria, ya que en el Barroco se aprecia ese carácter didáctico y moral, la exageración y la falta de inocencia de los protagonistas. Las obras picarescas cumbre en el Barroco son La vida del escudero Marcos de Obregón de Vicente Espinel y El Buscón de Quevedo, que comparte con el Lazarillo solamente la forma de viaje y la narración en primera persona.

PROSA MORAL Y ALEGÓRICA

Este tipo de prosa es muy importante en el Barroco por la discreción que se obligaba a tener en la época. La estructura de sueño les permitía expresar aquello que no podían comunicar directamente. Era un modo de hacer crítica sin temer a la censura o algo peor. La estructura de sueño se utiliza en la Antigüedad para expresar la filosofía del mundo (Sueño de Escipión), el Renacimiento como expresión de fantasías amorosas (Sueño de Polifilo) y en el Barroco para alejar al autor de aquello que no estaba permitido decir. Destacan las obras: Sueños de Quevedo (sátira que no deja títere con cabeza) y Criticón de Gracián (expone las 4 etapas de la existencia humana que son la niñez, juventud, madurez y vejez).

martes, 31 de enero de 2012

NUEVA POESÍA EN EL BARROCO

En esta entrada se hablará de la poesía de Góngora, de Lope de Vega y de Quevedo. Volveremos a insistir en la relación entre poesía y pintura y la importancia del tiempo en el Barroco.
La renovación poética estrella del Barroco fue sin duda, la artificiosidad del lenguaje poético, pero no fue la única: la unión entre lo popular y lo culto (Lope de Vega), la importancia del romance, el uso del soneto como modo de expresión de extensa temática, la sátira extrema...
Sabemos por entradas anteriores, que hubo varias causas para que se diera esa renovación poética: por un lado, el gusto por lo difícil, simbólico y artificioso; por otro, la importancia que se le daba al lenguaje, a la palabra; otra causa es el cansancio de las fórmulas renacentistas que se palpaba en el ambiente; y por último, la influencia que la pintura tuvo en la poesía.

GÓNGORA

El cordobés Luis de Góngora (1575-1627) mostró en sus obras el deseo de un lenguaje rigurosamente poético, que nada tuviera que ver con el lenguaje habitual. Se acabó con él aquel equilibrio renacentista, la naturalidad y la armonía neoclásica, dando lugar a nuevas fórmulas para expresar la nueva ideología barroca. Góngora es el culpable de lo que posteriormente se denominó "el arte por el arte". Característica de su obra es que jamás expresaba sentimientos personales o intereses (a diferencia de Quevedo y Lope), sino que se centraba en ese lenguaje poético.

En cuanto a la temática de su obra destacan el tiempo, el desengaño, el valor de la vida y la muerte y las lecciones morales. Encontramos también la exaltación de la belleza, el elogio a la Naturaleza y la importancia del amor. Metáforas, comparaciones y adjetivación son utilizados en completa armonía con el pintor (el poema el Greco es un buen ejemplo ello). Su obra es todo un mundo sensorial.

Tiene tendencia a la sátira, desmitificación y tono burlesco frente a lo que había que respetar social y culturalmente. Una de sus sátiras, Fábula de Píramo y Tisbe es una burla extrema.
El verso de Góngora "no son todos ruiseñores" ha sido muy utilizado posteriormente por artistas que lo consideraban símbolo de la verdadera poesía (no solo posteriormente, sino que el mismo Lope la utilizó como título de una comedia)

El soneto religioso Al nacimiento de Cristo, nuestro señor causa de una denuncia hacia Góngora, pues se interpretaba que la mayor proeza de Cristo no fue su muerte y redención (liberación) sino su nacimiento. También escribió sonetos amorosos (a un sueño), autobiográficos (al Conde-Duque de Olivares), y sus famosas Soledades, escritas en silvas y centradas en la palabra poética como creación del mundo.

LOPE DE VEGA

Felix Lope de Vega y Carpio (1562-1635) transmite en su obra, toda la pasión por la vida y sentimiento religioso y lirismo, muy patente en su teatro. Su obra se corresponde con su vida, van en paralelo, es el caso único de esa armónica convivencia. Su arte es su biografía "¿Que no escriba decís? ¿o que no viva?". En sus creaciones siempre complejas, hay cabida para lo popular, debido a su formación renacentista y de tradición española culta y popular.

Aunque su poesía está dispuesta en el teatro, también utilizó otros metros como el soneto, canciones, letrillas y églogas que publicó como libros de poesía (Rimas Sacras, Romancero espiritual, Rimas humanas y divinas del licenciado Tomé de Burguillos). También realizó trabajos en prosa (La Arcadia, El peregrino en su patria...)

QUEVEDO

La poesía de Francisco de Quevedo (1580-1645) era inteligente y con aire de desengaño de la época. Su poesía se caracteriza por un tono intelectual, conceptista de los temas para él relevantes. Era "hombre de extremos" en cuanto a los temas, ya que era capaz tanto de idealizar al máximo como de desmitificar con severidad.
Todo en su poesía está expresado a través de contrarios (amos-odio, trascendencia-sátira, Dios-mundo). Los temas más asiduos en su poesía eran el amor, el sentido metafísico o existencial, lo religioso y lo burlesco. El tema del amor, rey de los reyes en su poesía es tan apasionado que la relación Amor-Muerte se destaca en su poesía más que en ninguna otra. Relojes, ruinas, flores, ciudades... utilizados por él habitualmente son motivos del paso del tiempo.

PINTURA Y POESÍA, ARTE Y PENSAMIENTO

Como ya hemos hablado en otras entradas, la relación entre poesía-pintura ha sido enriquecedora para el arte. La pintura ha posibilitado un enriquecimiento del lenguaje poético gracias a toda la adjetivación sensorial que se ha dado a partir de esta relación entre distintas artes o artistas, y los motivos literarios se han ampliado. Los poetas fueron retratados por los pintores.
Pedro Espinosa fue uno de los tantos pintores y poetas de la época. Aumentó la poesía dedicada a pinturas, pintores y a la Naturaleza convertida en Arte. Era una forma de trascender a la muerte, la pintura es inmortal, aunque en algunas obras se observe el poder inexorable del Tiempo.

TIEMPO

Los temas del Barroco fueron el amor, el desengaño, Dios y el Tiempo. Éste último fue el protagonista de la época. Los motivos que se utilizaban para expresar el paso del tiempo como algo inexorable, la fugacidad de la vida y que incluso causaba, en ocasiones, agonía y vértigo, eran los relojes, las ruinas, flores...
La dualidad del arte inmortal y la efímera vida del hombre y Naturaleza condiciona todo el arte barroco.

domingo, 29 de enero de 2012

DEL RENACIMIENTO AL BARROCO

Por fin llegamos a la trascendente superación del Renacimiento para dar paso al Barroco. En este tema hablaremos sobre la razón de la superación del Renacimiento, visión barroca de la sociedad y de la vida, el Barroco como arte de contrarios y de la obra significativa de la época, así como las similitudes y diferencias entre los dos movimientos.

Hacia el siglo XVII se dio una crisis general que cambió toda la concepción del mundo renacentista. La muerte de Felipe II, el abandono del campo por las sequías y las plagas, la hostilidad y muerte que ocasionó la Reforma Protestante y posterior Contrarreforma católica, la revolución astronómica y cosmológica que llenó de inseguridad al hombre acostumbrado a ser el centro y pieza fundamental del Universo y por último la decadencia política, hace que los hombres de la época dejen de confiar en las instituciones, moralidad y ciencia.

Por todo ello, surgen dos tendencias artísticas: por un lado, nos encontramos con el interés por disfrutar durante la breve existencia del hombre, el interés por la vida fácil y la ficción que nos ofrece un escape a la realidad miserable cotidiana; por otro lado, el pesimismo y el consuelo religioso y metafísico del destino inexorable del hombre (la muerte). Por esta doble visión, se habla en el Barroco del arte de contrarios.

A diferencia del Renacimiento que nace en Italia, el Barroco fue producto español que surgió por unas causas sociales españolas determinadas y que repercutió en Europa.

Hablemos ahora de las diferencias y similitudes del Renacimiento y Barroco. En el Barroco, la estética nada tenía que ver con el equilibrio neoclásico (aunque tiene su origen en las mismas bases renacentistas), pues no plasmaban el sentimiento desbordado y retorcido de la época. El lenguaje sencillo, pasa a ser retorcido y difícil, para la intensificación y exageración que es provocada por esa pasión desbordada. Se desmitifica todo el idealismo renacentista, satirizando todos esos principios idealistas. El tema del amor es el único que cobra el mismo sentido en las dos épocas como continuación estética de la escuela de Florencia (Ficino). A partir del Barroco, Dios, el tiempo, los mitos y la Naturaleza son también temas habituales. El perfecto Cortesano, hombre de armas y letras, es sustituido por el Discreto (Gracián). Las formas cultas como el soneto y las populares como los romances y las canciones tradicionales se mantienen. Aunque en el Renacimiento los pintores fueran considerados artesanos de poca influencia para la sociedad, al final de la época y finalmente en el Barroco fueron considerados artistas por la importancia del Deus pictor. El humanismo cultural que tanta importancia da a la razón e inteligencia se convierte en humanismo vital. La diferencia fundamental podría ser que los elementos vulgares en el arte culto se incluyen (Lope de Vega en su Arte nuevo de hacer comedias). Por último diré que Don Quijote, obra cumbre de Cervantes representa en su personaje todo el cambio de pensamiento, que va desde el optimismo renacentista hasta el desengaño barroco.

Centrémonos ahora en el Barroco exclusivamente. La tensión, la inestabilidad social era plasmada en el arte barroco. Pero al mismo tiempo se seguían encontrando las idealizaciones más exquisitas que provenían del Renacimiento. La convivencia de tendencias contrarias impide conseguir un equilibrio, por lo que se rompe con la armonía renacentista. Esto es evidente en la obra Rimas Sacras, Rimas humanas y Divinas de Lope de Vega.

En Florencia empezó a relacionarse la pintura con la literatura. Esta relación se intensificó en el Barroco, por lo siguiente: la pintura sobrevive a la Naturaleza; permite influir en la terminología literaria enriqueciendo el léxico (adjetivos, literatura visual, descripción); relación de pintores y literatos.
El sucesor de Felipe II (Felipe III) fue amante del arte, lo que repercutió en la sociedad. Se realizaban estampas de obras de artistas importantes. Gracias a esto, la cultura visual aumenta y el pueblo (iletrado en su mayoría) se familiariza con los mitos y juegos de palabras.


Como he dicho anteriormente, el amor sigue siendo el tema fundamental de la lírica, que es contenido por la estructura del soneto pero intensificado por ese lenguaje retorcido y culto. Ahora, el amor es tan intenso que es capaz de sobrevivir a la Muerte. Dios, el paso del tiempo (la obsesión por los relojes y las flores), los mitos, el desengaño personal y social, la Naturaleza (pero esta vez, en todo su explendor) son también ahora, temas trascendentales. Hablemos de géneros:
En cuanto a los géneros, la sátira, cuyos representantes son Quevedo, el Conde de Villamediana y Góngora, alcanza ahora su momento culminante pues se utiliza para humillar la corriente idealista renacentista, la política, la justicia, la inmoralidad de las clases sociales...
Las dificultades del hombre en el día a día hace que desconfíe de la sociedad y presente una apariencia que nada tiene que ver con él, sí en cambio con la norma social. Nunca discrepa, acepta los principios establecidos, pero es solo en apariencia. Su vida es puro teatro. Tal vez por ello (junto con el éxito de Lope de Vega) el teatro sea el medio de comunicación más interesante en la sociedad barroca. Aunque éste sea el género más importante de la época no debemos olvidar la poesía, la novela y la prosa didáctica, que también fueron muy importantes.

Las fiestas en la sociedad se multiplicaron y con ellas, los adornos, de tal modo que el pueblo (iletrado en su mayoría) aprende a leer signos. Se va creando un gusto por lo difícil, por descifrar símbolos y por la alegoría (se afirma que El sueño de Polífilo, a pesar de estar escrito a finales del siglo XV que es un modelo para el Barroco por la unión entre arte y literatura y uso de emblemas). Los motivos simbólicos de las flores, relojes, ruinas... se utilizaban para hacer patente la fugacidad, el tiempo y eternidad, materia y espíritu.

Hablemos de las obras trascendentales de la época. Decía que Don Quijote, sátira de las novelas caballerescas que escribió Miguel de Cervantes Saavedra fue importante pues refleja claramente el paso del Renacimiento (optimismo) al Barroco (desengaño) en su protagonista. Pero hay otras obras tan o más relevantes que ésta.
El Discreto de Gracián acoge al perfecto cortesano renacentista y le suma la inteligencia para sobrevivir y triunfar en esa nueva época difícil. El humanismo vitalista que refleja la consideración individual del hombre, su valor y el significado de éste en el mundo, sustituye al idealismo.
El Desengaño de Quevedo muestra el cambio de mentalidad (pesimismo y soledad) en la sociedad.