martes, 31 de enero de 2012

NUEVA POESÍA EN EL BARROCO

En esta entrada se hablará de la poesía de Góngora, de Lope de Vega y de Quevedo. Volveremos a insistir en la relación entre poesía y pintura y la importancia del tiempo en el Barroco.
La renovación poética estrella del Barroco fue sin duda, la artificiosidad del lenguaje poético, pero no fue la única: la unión entre lo popular y lo culto (Lope de Vega), la importancia del romance, el uso del soneto como modo de expresión de extensa temática, la sátira extrema...
Sabemos por entradas anteriores, que hubo varias causas para que se diera esa renovación poética: por un lado, el gusto por lo difícil, simbólico y artificioso; por otro, la importancia que se le daba al lenguaje, a la palabra; otra causa es el cansancio de las fórmulas renacentistas que se palpaba en el ambiente; y por último, la influencia que la pintura tuvo en la poesía.

GÓNGORA

El cordobés Luis de Góngora (1575-1627) mostró en sus obras el deseo de un lenguaje rigurosamente poético, que nada tuviera que ver con el lenguaje habitual. Se acabó con él aquel equilibrio renacentista, la naturalidad y la armonía neoclásica, dando lugar a nuevas fórmulas para expresar la nueva ideología barroca. Góngora es el culpable de lo que posteriormente se denominó "el arte por el arte". Característica de su obra es que jamás expresaba sentimientos personales o intereses (a diferencia de Quevedo y Lope), sino que se centraba en ese lenguaje poético.

En cuanto a la temática de su obra destacan el tiempo, el desengaño, el valor de la vida y la muerte y las lecciones morales. Encontramos también la exaltación de la belleza, el elogio a la Naturaleza y la importancia del amor. Metáforas, comparaciones y adjetivación son utilizados en completa armonía con el pintor (el poema el Greco es un buen ejemplo ello). Su obra es todo un mundo sensorial.

Tiene tendencia a la sátira, desmitificación y tono burlesco frente a lo que había que respetar social y culturalmente. Una de sus sátiras, Fábula de Píramo y Tisbe es una burla extrema.
El verso de Góngora "no son todos ruiseñores" ha sido muy utilizado posteriormente por artistas que lo consideraban símbolo de la verdadera poesía (no solo posteriormente, sino que el mismo Lope la utilizó como título de una comedia)

El soneto religioso Al nacimiento de Cristo, nuestro señor causa de una denuncia hacia Góngora, pues se interpretaba que la mayor proeza de Cristo no fue su muerte y redención (liberación) sino su nacimiento. También escribió sonetos amorosos (a un sueño), autobiográficos (al Conde-Duque de Olivares), y sus famosas Soledades, escritas en silvas y centradas en la palabra poética como creación del mundo.

LOPE DE VEGA

Felix Lope de Vega y Carpio (1562-1635) transmite en su obra, toda la pasión por la vida y sentimiento religioso y lirismo, muy patente en su teatro. Su obra se corresponde con su vida, van en paralelo, es el caso único de esa armónica convivencia. Su arte es su biografía "¿Que no escriba decís? ¿o que no viva?". En sus creaciones siempre complejas, hay cabida para lo popular, debido a su formación renacentista y de tradición española culta y popular.

Aunque su poesía está dispuesta en el teatro, también utilizó otros metros como el soneto, canciones, letrillas y églogas que publicó como libros de poesía (Rimas Sacras, Romancero espiritual, Rimas humanas y divinas del licenciado Tomé de Burguillos). También realizó trabajos en prosa (La Arcadia, El peregrino en su patria...)

QUEVEDO

La poesía de Francisco de Quevedo (1580-1645) era inteligente y con aire de desengaño de la época. Su poesía se caracteriza por un tono intelectual, conceptista de los temas para él relevantes. Era "hombre de extremos" en cuanto a los temas, ya que era capaz tanto de idealizar al máximo como de desmitificar con severidad.
Todo en su poesía está expresado a través de contrarios (amos-odio, trascendencia-sátira, Dios-mundo). Los temas más asiduos en su poesía eran el amor, el sentido metafísico o existencial, lo religioso y lo burlesco. El tema del amor, rey de los reyes en su poesía es tan apasionado que la relación Amor-Muerte se destaca en su poesía más que en ninguna otra. Relojes, ruinas, flores, ciudades... utilizados por él habitualmente son motivos del paso del tiempo.

PINTURA Y POESÍA, ARTE Y PENSAMIENTO

Como ya hemos hablado en otras entradas, la relación entre poesía-pintura ha sido enriquecedora para el arte. La pintura ha posibilitado un enriquecimiento del lenguaje poético gracias a toda la adjetivación sensorial que se ha dado a partir de esta relación entre distintas artes o artistas, y los motivos literarios se han ampliado. Los poetas fueron retratados por los pintores.
Pedro Espinosa fue uno de los tantos pintores y poetas de la época. Aumentó la poesía dedicada a pinturas, pintores y a la Naturaleza convertida en Arte. Era una forma de trascender a la muerte, la pintura es inmortal, aunque en algunas obras se observe el poder inexorable del Tiempo.

TIEMPO

Los temas del Barroco fueron el amor, el desengaño, Dios y el Tiempo. Éste último fue el protagonista de la época. Los motivos que se utilizaban para expresar el paso del tiempo como algo inexorable, la fugacidad de la vida y que incluso causaba, en ocasiones, agonía y vértigo, eran los relojes, las ruinas, flores...
La dualidad del arte inmortal y la efímera vida del hombre y Naturaleza condiciona todo el arte barroco.

domingo, 29 de enero de 2012

DEL RENACIMIENTO AL BARROCO

Por fin llegamos a la trascendente superación del Renacimiento para dar paso al Barroco. En este tema hablaremos sobre la razón de la superación del Renacimiento, visión barroca de la sociedad y de la vida, el Barroco como arte de contrarios y de la obra significativa de la época, así como las similitudes y diferencias entre los dos movimientos.

Hacia el siglo XVII se dio una crisis general que cambió toda la concepción del mundo renacentista. La muerte de Felipe II, el abandono del campo por las sequías y las plagas, la hostilidad y muerte que ocasionó la Reforma Protestante y posterior Contrarreforma católica, la revolución astronómica y cosmológica que llenó de inseguridad al hombre acostumbrado a ser el centro y pieza fundamental del Universo y por último la decadencia política, hace que los hombres de la época dejen de confiar en las instituciones, moralidad y ciencia.

Por todo ello, surgen dos tendencias artísticas: por un lado, nos encontramos con el interés por disfrutar durante la breve existencia del hombre, el interés por la vida fácil y la ficción que nos ofrece un escape a la realidad miserable cotidiana; por otro lado, el pesimismo y el consuelo religioso y metafísico del destino inexorable del hombre (la muerte). Por esta doble visión, se habla en el Barroco del arte de contrarios.

A diferencia del Renacimiento que nace en Italia, el Barroco fue producto español que surgió por unas causas sociales españolas determinadas y que repercutió en Europa.

Hablemos ahora de las diferencias y similitudes del Renacimiento y Barroco. En el Barroco, la estética nada tenía que ver con el equilibrio neoclásico (aunque tiene su origen en las mismas bases renacentistas), pues no plasmaban el sentimiento desbordado y retorcido de la época. El lenguaje sencillo, pasa a ser retorcido y difícil, para la intensificación y exageración que es provocada por esa pasión desbordada. Se desmitifica todo el idealismo renacentista, satirizando todos esos principios idealistas. El tema del amor es el único que cobra el mismo sentido en las dos épocas como continuación estética de la escuela de Florencia (Ficino). A partir del Barroco, Dios, el tiempo, los mitos y la Naturaleza son también temas habituales. El perfecto Cortesano, hombre de armas y letras, es sustituido por el Discreto (Gracián). Las formas cultas como el soneto y las populares como los romances y las canciones tradicionales se mantienen. Aunque en el Renacimiento los pintores fueran considerados artesanos de poca influencia para la sociedad, al final de la época y finalmente en el Barroco fueron considerados artistas por la importancia del Deus pictor. El humanismo cultural que tanta importancia da a la razón e inteligencia se convierte en humanismo vital. La diferencia fundamental podría ser que los elementos vulgares en el arte culto se incluyen (Lope de Vega en su Arte nuevo de hacer comedias). Por último diré que Don Quijote, obra cumbre de Cervantes representa en su personaje todo el cambio de pensamiento, que va desde el optimismo renacentista hasta el desengaño barroco.

Centrémonos ahora en el Barroco exclusivamente. La tensión, la inestabilidad social era plasmada en el arte barroco. Pero al mismo tiempo se seguían encontrando las idealizaciones más exquisitas que provenían del Renacimiento. La convivencia de tendencias contrarias impide conseguir un equilibrio, por lo que se rompe con la armonía renacentista. Esto es evidente en la obra Rimas Sacras, Rimas humanas y Divinas de Lope de Vega.

En Florencia empezó a relacionarse la pintura con la literatura. Esta relación se intensificó en el Barroco, por lo siguiente: la pintura sobrevive a la Naturaleza; permite influir en la terminología literaria enriqueciendo el léxico (adjetivos, literatura visual, descripción); relación de pintores y literatos.
El sucesor de Felipe II (Felipe III) fue amante del arte, lo que repercutió en la sociedad. Se realizaban estampas de obras de artistas importantes. Gracias a esto, la cultura visual aumenta y el pueblo (iletrado en su mayoría) se familiariza con los mitos y juegos de palabras.


Como he dicho anteriormente, el amor sigue siendo el tema fundamental de la lírica, que es contenido por la estructura del soneto pero intensificado por ese lenguaje retorcido y culto. Ahora, el amor es tan intenso que es capaz de sobrevivir a la Muerte. Dios, el paso del tiempo (la obsesión por los relojes y las flores), los mitos, el desengaño personal y social, la Naturaleza (pero esta vez, en todo su explendor) son también ahora, temas trascendentales. Hablemos de géneros:
En cuanto a los géneros, la sátira, cuyos representantes son Quevedo, el Conde de Villamediana y Góngora, alcanza ahora su momento culminante pues se utiliza para humillar la corriente idealista renacentista, la política, la justicia, la inmoralidad de las clases sociales...
Las dificultades del hombre en el día a día hace que desconfíe de la sociedad y presente una apariencia que nada tiene que ver con él, sí en cambio con la norma social. Nunca discrepa, acepta los principios establecidos, pero es solo en apariencia. Su vida es puro teatro. Tal vez por ello (junto con el éxito de Lope de Vega) el teatro sea el medio de comunicación más interesante en la sociedad barroca. Aunque éste sea el género más importante de la época no debemos olvidar la poesía, la novela y la prosa didáctica, que también fueron muy importantes.

Las fiestas en la sociedad se multiplicaron y con ellas, los adornos, de tal modo que el pueblo (iletrado en su mayoría) aprende a leer signos. Se va creando un gusto por lo difícil, por descifrar símbolos y por la alegoría (se afirma que El sueño de Polífilo, a pesar de estar escrito a finales del siglo XV que es un modelo para el Barroco por la unión entre arte y literatura y uso de emblemas). Los motivos simbólicos de las flores, relojes, ruinas... se utilizaban para hacer patente la fugacidad, el tiempo y eternidad, materia y espíritu.

Hablemos de las obras trascendentales de la época. Decía que Don Quijote, sátira de las novelas caballerescas que escribió Miguel de Cervantes Saavedra fue importante pues refleja claramente el paso del Renacimiento (optimismo) al Barroco (desengaño) en su protagonista. Pero hay otras obras tan o más relevantes que ésta.
El Discreto de Gracián acoge al perfecto cortesano renacentista y le suma la inteligencia para sobrevivir y triunfar en esa nueva época difícil. El humanismo vitalista que refleja la consideración individual del hombre, su valor y el significado de éste en el mundo, sustituye al idealismo.
El Desengaño de Quevedo muestra el cambio de mentalidad (pesimismo y soledad) en la sociedad.

sábado, 28 de enero de 2012

FICCIÓN NARRATIVA

Sabemos que las novelas de caballerías, de aventuras o bizantinas (como Persiles y Sigismunda de Cervantes en el Barroco) y los temas celestinescos y sentimentales fueron muy exitosas en la época del Renacimiento. Pero no era lo único. En esta entrada hablaré sobre los relatos breves, la novela picaresca, la novela pastoril, la novela morisca y la importancia de la estructura de sueño.

Juan de Timoneda introdujo en la novela española los RELATOS BREVES (como Decamerón de Boccaccio) procedentes de Italia, con sus patrañas del Patrañuelo (veremos más adelante que fue un antecedente de Cervantes), igual que hizo Boscán con los sonetos.

LA NOVELA PICARESCA fue, sin lugar a dudas, la NOVEDAD del Renacimiento, en cuanto a los temas y las técnicas utilizadas. Podemos decir que se creó como parodia de la prosa pastoril, sentimental y caballeresca. Esta novela se caracteriza por ser de carácter autobiográfico.

La primera obra de este tipo fue El lazarillo de Tormes publicada en 1554. El protagonista de esta epístola (forma de carta) satírica y anónima es un niño y se cuenta la miserable infancia del pequeño anti-héroe. En la situación social decadente en la que vive, sigue mostrando gran dignidad. A pesar de que se trata de ficción, el realismo es inherente a la novela, cuestión que diferencia esta obra de otras. La novela se compone de siete tratados (desde el nacimiento de Lázaro hasta su integración en la sociedad). Es, como ya he dicho, una novela realista que intenta satirizar el marco idealista patente en las obras del Renacimiento.
El huérfano Lázaro, un niño humilde y salmantino, pasa a merced de un:
- ciego malvado, con el que se le desarrolla el sentido de la supervivencia.
- clérigo que le lleva a una situación de hambruna.
- hidalgo arruinado que aunque es bueno con el niño, termina abandonándolo.
- fraile poco fiable
- vendedor de bulas (documento sellado sobre temas políticos o religiosos) que estafa
- un capellán
- un maestro de hacer panderos
- un alguacil
Lazarillo se hace mayor y consigue el puesto de pregonero, se casa con la criada de un arcipreste, pero corre el rumor de que ella le es infiel y el pueblo se burla de él. Éste, aguanta paciente, ya que aunque durante toda su vida ha sabido de la importancia del honor, de la dignidad, la situación en la que se encuentra ahora le permite vivir cómodamente.

La obra El lazarillo de Tormes nos lleva a realizar una crítica de la situación y estamentos sociales de la época. Esto dio pie a que se dieran otras obras de carácter crítico como el Crotalón de Cristobal de Villalón.

El Crotalón es uno de los diálogos satíricos más destacados del siglo XVI. Se dice que se corresponde a la sátira de Menipo de Gadara (III a. C) y Luciano de Samósata (II a. C.):
- procede de la sátira menipea:
la influencia del diálogo socrático que representa el diálogo del pensamiento;
la experimentación entre lo cómico y serio representada en forma de viaje.
- la sátira lucianesca: personajes de diferente índole (imaginarios, míticos...) y género (filosógicos, alegóricos...) unidos por la estructura de sueño. Gallo, el personaje del Crotalón, es un sabio ridículo que odia la falsedad. Escrita en forma de sueño y utilizando la estructura del viaje, surge la sátira, cuando Gallo, en forma de animal se acerca a la realidad y la compara.
La picaresca siguió utilizándose en el Barroco, pero no de la misma manera, pues se los personajes ya no se parecerán al natural e ingenuo Lazarillo (lo veremos en próximos capítulos.


En la NOVELA PASTORIL, el tema es el amor (generalmente no correspondido) y los protagonistas son pastores cultos (estereotipo de Virgilio y Teócríto en la Antigüedad y de Sannazaro en el Humanismo) que encuentran la paz en la armonía de la Naturaleza. Como ejemplo de esta prosa podemos nombrar Los siete libros de Diana, de Jorge de Montemayor. Trata sobre una pastora, Diana, querida del pastor Sireno. Ella amaba a otro pastor, Silvano y éste la aborrecía. Sireno se marchó y Diana se casó con otro pastor: Delio. Sireno vuelve un año después y se da cuenta de que Diana se ha casado con otro.

En la NOVELA MORISCA la Reconquista y los ambientes fronterizos suelen ser tema fundamental, además del amor entre hombres y mujeres cristianos y moros. La primera novela de este género fue La historia del Abencerraje y la hermosa Jarifa que se publicó junto con los 7 libros de Diana. El protagonista es prisionero de tropas cristianas hasta que un alcaide lo libera y le ayuda a casarse con quien amó desde la infancia.

La importancia que se da a LA ESTRUCTURA DE SUEÑO es mucha en el Renacimiento. En el Sueño de Polífilo, el sueño de Escipión, Crotalón... sirve para colocar en otro espacio que no es propio a los personajes (muchas veces muertos, inexistentes, imaginarios etc.) dejando que éstos dijeran lo que el autor quisiera, lo que no era aceptado por la sociedad, sin que éste último saliera perjudicado. Suele utilizarse para la burla o la sátira.

jueves, 26 de enero de 2012

PERSPECTIVISMO Y TEMAS EN LA PROSA

El perspectivismo es una corriente filosófica que afirma que no hay manera de saber cuál es la "realidad", sino que todo depende de la perspectiva de la que esa visión se lleve a cabo. Teniendo esto en cuenta, podemos determinar que hay dos ideas que hay que tener en cuenta en la prosa: una está unida a las obras de ficción (lo hablaremos otro día); la segunda, la que interesa en este tema (obras de no ficción) es la importancia de la crítica y la didáctica. Esta prosa (prosa didáctica) aparece en muchas formas: epístolas, tratados, diálogos... todos influenciados por la literatura antigua que se centraba en la didáctica. Ese didactismo permite que se traten distintos temas, como:

1.- la importancia de las lenguas y la defensa del español que se aprecia en el "Diálogo de la lengua", Juan de Valdés. Marcio, Valdés, Coriolano y Pacheco se reúnen para comer y conversan sobre la lengua castellana.

2.- la importancia de la palabra, de los nombres, Biblia y Naturaleza ("De los nombres de Cristo" de Fray Luis de León). Sobre la importancia de los nombres, cabe hacer un inciso. Ese interés comienza en el Renacimiento, cuando se descubren los jeroglíficos. Además, la Biblia es fundamental. Interesa conocer la explicación, el origen del Cosmos, bajo los nombres. Se establecen correspondencias entre el nombre y el significado, se crea la alegoría. En la obra citada, Marcelo, Sabino y Juliano se reúnen en La Flecha, huerto.

Otro género en prosa, la historiografía (lo que se ha escrito sobre la historia) es también harto importante. Dos temas fundamentales son:
- la historiografía artística: consta un acontecimiento, pero a lo que verdaderamente se da importancia es al aspecto literario, al lenguaje utilizado. la obra del Padre Sigüenza trata sobre la crítica de las pinturas de El Escorial y sobre jardines de la época de Felipe II. Su prosa es muy detallada sobre los jardines y pintores. Podemos considerarlo como el primer crítico de arte.
- la historiografía indiana: El descubrimiento de América hizo que abundara la literatura sobre hazañas y conquistas. Las historias eran de carácter general o particular (dos puntos de vista para un mismo tema). Épica y Naturaleza van unidas. La fantasía se fusiona con la realidad.

Glosario: género épico

La literatura del género épico es la que mediante conceptos históricos, hechos legendarios e imaginarios crea una obra que pretende ser creible, hacer pasar por verdadera. En este género predomina la narración. El género épico tiene subgéneros tales como la epopeya, el cantar de gesta, las canciones tradicionales, el mito...

Glosario: cantar de gesta

El cantar de gesta es un texto épico que cuenta las hazañas de un héroe que siempre sale airoso de las más difíciles situaciones. El héroe y personaje principal de la obra posee todas las virtudes que el pueblo debe tener.

martes, 24 de enero de 2012

INTRODUCCIÓN A LA EDAD MEDIA


Se denomina Edad Media al periodo de tiempo entre la caída del Imperio Romano (siglo V) y 1492, cuando los Reyes Católicos tomaron Granada y Colón descubrió América (XV). Esta época podemos dividirla a su vez en tres subapartados:

- Edad Media Temprana: del siglo V al IX
- Alta Edad Media: del siglo IX hasta el XII
- Baja Edad Media: del siglo XIII hasta el XV

SOCIEDAD

En cuanto al estrato social, podemos hacer una división de tres estamentos:

- Nobleza: poder político. También llamados bellatores (los que hacían la guerra).
- Iglesia: poder religioso. Los oratores
- Pueblo llano: población. Los laboratores

Los dos primeros estamentos expuestos se complementaban mutuamente, por lo que al pueblo llano estaba completamente dominado y resultaba difícil rebelarse (si se daba la indisciplina contra uno, también se hacia contra el otro). El monarca (nobleza), tenía potestad para hacer lo que fuera, con el poder de la gracia de Dios que la iglesia le otorgaba. A cambio, la iglesia recibía obsequios.

La literatura (aunque la mayoría de la población fuera iletrada) era un buen modo de que el pueblo supiera que no había de rebelarse, de que el pueblo supiera qué estaba aceptado y qué no, y cuáles serían las consecuencias de la desobediencia. .

LA OBRA

Como hemos dicho, los intereses de la nobleza se plasmaban en la literatura para que el mensaje llegara (oralmente, mediante juglares) al pueblo llano. Las obras de la época solían ser anónimas, pues nada importaba el autor, sino lo que se contaba. Los artistas (en cualquiera de sus especialidades) se consideraban "artesanos". Además, no tenían libertad en la ejecución, pues las obras se hacían por encargo de la institución y el pueblo debía asumir la actitud que el relato dictaba, se lo aprendían de memoria y se olvidaban del autor.

En cuanto a los autores, nos encontramos al popular y al culto, de los cuales surgen dos tipos de literatura: el mester de clerecía (obras cultas) y el mester de juglaría (populares).

El mester de Clerecía: son obras compuestas por clérigos, aunque no tenían por qué ser sacerdotes, sino tener conocimientos superiores al que tenía pueblo llano. En estas obras en ocasiones se aprecia una nota desdeñosa hacia lo popular y jactancia por su conexión con el mundo de las letras, aunque por ser literatura de fines públicos fuera presentada oralmente.

Se utilizaba la cuaderna vía, que se componía por cuatro versos alejandrinos, es decir, de catorce sílabas cada uno, dividido por una cesura en dos hemistiquios (de 7 sílabas cada uno). La rima era consonante y uniforme (AAAA).

El mester de juglaría: se le denomina así a la poesía épica o lírica que los juglares cantaban al pueblo, clérigos y nobles. En cuanto a la estructura, eran versos irregulares de rima asonante (más fácil para la improvisación), de entre 10 y 16 sílabas, aunque abundaban los alejandrinos.


Formas, temas y tendencias del Renacimiento.

A pesar de las innovaciones que se dieron en el Renacimiento (soneto petrarquista), también hubo algunas formas de expresión corrientes en la Edad Media que sobrevivieron al cambio de época (Romance y Canciones tradicionales). Éste será el tema a tratar, al igual que lo serán las tendencias renacentistas, en las que analizaremos a Francisco de la Torre y la escuela andaluza.

OTRAS FORMAS DE EXPRESIÓN: POPULAR
Los romances (todos ellos de carácter anónimo) fueron creados en la Edad Media para ser recitados o cantados por los juglares, incluso podían acompañarse de instrumentos musicales (esto se daba antes de que se hiciera una compilación, Romancero). Se trataba de versos octosílabos de rima asonante (rimaban las vocales, dejando de lado los sonidos consonánticos), con un número de versos indefinido. Los romances bien podían ser épicos (narración) o líricos (expresión de sentimientos).

Como decía, este Romancero del siglo XV sedujo a poetas del XVI y XVII que se valieron de esos romances o romances viejos para crear los romances artísticos. Los temas como la historia de las fronteras entre moros y cristianos o el amor (temás históricos, legendarios y amorosos) encauzaron esta tradición "viva" que ha llegado hasta nuestros días (eso sí, actualizados). Gracias a que los romances se han ido acogiendo en una y otra época, la tradición oral se integró en la culta, hasta tal punto que se convirtieron en motivos argumentales en el teatro.

Los romances, aunque lo fueran, no era la forma más breve de expresión, sino que las canciones tradicionales (también anónimas) eran de estructura muy breve en las que predominaba la yustaposición y no había una sola anécdota. De este modo, se dotaba a lo expresado de una sensación dinámica, viva, ágil. Se hacía uso de los elementos de la naturaleza, aunque estos escondían la mayoría de las veces, un sentido erótico.


TENDENCIAS: LO CULTO

Volviendo a la convivencia de lo culto y lo popular en el Siglo de Oro, los temas comunes solían ser el amor, la muerte y la vida. Dejando ahora de lado lo popular, vayamos a indagar en las tendencias poéticas, que fueron dos:

- la sencillez y naturalidad para la expresión de los sentimientos (escuela salmantina). Ya hablamos de Fray Luís de León en otra entrada así que no lo repetiremos. Nos centraremos en otro poeta significativo (antigongorino como Fray Luís) de la tendencia salmantina, Francisco de la Torre. Tiene un gran interés por el tema de la Noche cuando habla de sus dolores amatorios. La noche es su confidente en los sonetos, solitaria, triste, oscura, melancólica. El poeta tenía como interlocutor a Tirsis, su otro yo.

- tendencia de la escuela andaluza, que tuvo gran importancia en el paso de la poesía renacentista a la barroca. Recordemos que en la escuela de Florencia (que emulaba a la Academia de Platón) poetas, pintores y otros artistas se reunían. Este acercamiento hace que quieran ennoblecer la pintura como arte verdadero y no como algo meramente artesano. Pacheco, Céspedes o Pedro Espinosa fueron poetas y pintores. Como decía, por este acercamiento que se da entre pintor y poeta, el poeta incorpora los elementos pictóricos en su poesía y ésta se recarga. Metáforas, adjetivación (se utilizan mucho los colores que utilizaban los pintores en la época), lenguaje complejo...

Cuando Herrera murió, la lírica renacentista como la influencia petrarquista se tornaron tópicas, por lo que se creo la necesidad de "renovar" aquella tendencia renacentista. En esto, la escuela andaluza fue decisiva:
  • Se dejó de lado la perfección y belleza rescatada de la Antigüedad y comenzó a utilizarse un modelo nuevo, más natural, vivo, teniendo en cuenta la hermosura y fealdad.
  • Esto produjo que las formas de expresión también cambiaran, surgiendo el manierismo. El manierista parte del estilo renacentista, pero lo altera para conseguir virtuosismo y manifestar dotes intelectuales y habilidad técnica. Busca la originalidad.
  • El equilibrio y la armonía del Renacimiento se converte en algo artificioso. La metáfora se convirtió en papel fundamental, figura literaria abundante (igual que la distorsión de las formas en la pintura) para conseguir relaciones asociativas complejas que alejaran al modelo y modo de expresión clásicos.

domingo, 22 de enero de 2012

Lírica, Garcilaso, Fray Luis y San Juan


Como bien sabemos, el Renacimiento se siente identificado con la cultura clásica, por lo que el arte, en todo su ser está influenciada por toda la corriente estética e ideológica de Platón (Ficino fue quien tradujo su obra y gracias a esa traducción hubo una gran difusión). La aportación estrella para la lírica fue recuperar el tema del amor, y en la prosa, la forma dialogada para llegar a la verdad. La individualidad del hombre, la importancia de la Naturaleza el amor como sentimiento trascendente justifican el éxito de la lírica en el Renacimiento. En este tema se tratará de los aspectos de la lírica (pensamiento y sentimiento) teniendo en cuenta a los poetas Garcilaso de la Vega, Fray Luis de León y San Juan de la Cruz.

Aunque todos los autores asumieron la expresión de sentimiento en la lírica, Garcilaso de la Vega (1501?-1536) fue el modelo. Para enfatizar todo el sentimiento lírico, sirvieron los mitos [Garcilaso utilizaba a las ninfas (el mito) para hacer más patente ese sentimiento]. Para transmitir su estado de ánimo, Garcilaso se ayuda de la Naturaleza y relaciona la alegría con luces y colores, y la tristeza con la noche y la oscuridad.

Su obra en castellano se compone por coplas, canciones (estructura de cancioneros tradicioales: octosílabos y metros italianos), sonetos (2 cuartetos y dos tercetos de versos endecasílabos, estructura que ayudaba a frenar ese sentimiento exacerbado), odas, elegías y epístolas. Fueron los sonetos y las canciones los que tenían más influencia petrarquista. Los temas fundamentales de su obra son, el amor y la Naturaleza.

En las Églogas, que son poemas bucólicos, los pastores establecen un diálogo en el que expresan sus experiencias y preocupaciones concernientes al amor. Estas conversaciones se dan en un entorno natural libre, lugar ideal que Garcilaso es capaz de presentar estéticamente perfecta (igual que en Arcadia de Sannazaro).

El hecho de que Garcilaso hablara de una mujer real en su poesía (Isabel) (que ayuda a comprender la modernidad de la poesía, proveniente del humanista Petrarca) no quita para que utilice el amor ideal (recurso neoplatónico).

Cambiemos de autor. La poesía de Fray Luis de León 1527-15919 poco tenía que ver con la de Garcilaso. Creaba una poesía intelectual, en la que conseguía enlazar la idealización (Platón) con el amor y la felicidad en la Naturaleza y no en la urbe (Horacio). Para Fray Luis, el pitagorismo cobra gran interés, sobre todo la música de esferas (Sueño de Escipión) y la armonía del mundo, que puede comprobarse en uno de sus poemas: Oda a Salinas. Los temas de su obra fueron: la búsqueda de la verdad y del conocimiento, la armonía, el deseo de la soledad en la Naturaleza, moralidad y patriotismo. Tuvo predilección por la oda expresada en liras (Garcilaso). Su oda I comienza así: "qué descansada vida / la del que huye del mundanal ruido...".

Fray Luis pertenecía a la Escuela salmantina (influencia clásica del lenguaje, con menos adornos y versos cortos de rimas sencillas), en contraposición a la sevillana (más barroca, con un lenguaje artificioso procedente de Herrera).

Centrándonos ahora en Juan de Yepes, más conocido como San Juan de la Cruz (1542-1591), realiza una poesía mística (trataba de expresar la unión del alma con Dios) que tiene apariencia amorosa, pero trata de temas como la soledad y del encuentro de los amantes, del amor divino, de una forma alegórica. De este modo, se inició el "simbolismo" poético. Fue un modelo a seguir para los poetas del siglo XIX.

Glosario: apologista

El apologista es alguien que defiende o alaba a personas o cosas.

sábado, 21 de enero de 2012

El arte en el Renacimiento

En el Renacimiento la cultura antigua se tomaba como contemporánea, a diferencia de la cultura medieval, a pesar de ser cronológicamente más cercana. Tras la Edad Media y el teocentrismo que tomaba al hombre como el ser más insignificante de la creación, en el Renacimiento surge un cambio de concepto del hombre que también se ve reflejado en el arte. En el texto que aparece a continuación podréis leer acerca de temas como el neoplatonismo y el Universo, La Naturaleza y por último, analizar las obras El sueño de Escipión, Arcadia y El sueño de Polífilo.

NEOPLATONISMO Y UNIVERSO

El hombre, de armas y letras, pasa a ser el ser más importante, tanto que intenta recrear el Universo en el arte. Se llevaron a cabo infinidad de experimentos para ilustrar ese Universo, uno de ellos, más significativo para la época que los demás: era un aparato mecánico con forma de esfera (según Platón, la esfera era la figura geométrica perfecta). Marco Ficino (artífice del renacimiento del Neoplatonismo) descubrió el Universo en aquella esfera. Había animales que se movían de un lugar de la esfera a otro. También se oían algunos fenómenos naturales, trompetas y cuernos. La esfera, por tanto, era un símbolo del Universo y pretendía imitar tanto su movimiento como su sonido.

Ahora, gracias al neoplatonismo, no se cree en el estatismo del Universo, sino que se tiene al Cosmos como un sistema matemático que organiza un ser divino. Se cree que el universo, lo palpable, no es más que un símbolo con el que la realidad del alma está conectada.

Cuando Ficino tradujo Timeo de Platón, expuso que Dios diferenció cuatro elementos materiales que se correspondían con cuatro virtudes: el fuego con el intelecto o lo espiritual; la tierra, con la Naturaleza; el agua con el alma; y el aire con la inteligencia. Podemos decir, por tanto, que el Anima mundi (el alma del mundo) era el que hacía que el Universo fuera una unidad única en la que existían diversos seres vivos que estaban conectados entre sí por naturaleza

La teoría musical, comentada en una entrada anterior (Introducción al Renacimiento) haciendo referencia a El sueño de Escipión de Cicerón (conocido por el comentario de Macrobio) partía desde ese mismo principio: se desarrolla la teoría de la armonía universal y y se establecen corresondencias entre cada una de las ciencias y las esferas. La música, por tanto, se convierte en método de comunicación entre el Anima mundi citado antes y el alma humana. Esta armonía universal ha sido plasmada en muchas creaciones artísticas de la época, como por ejemplo, en la Capilla Sixtina de Miguel Ángel.

LA NATURALEZA: naturaleza libre y los jardines.

Por todo lo anterior la Naturaleza es aquel espacio en el que las combinaciones de los cuatro elementos permiten todo un mundo de creaciones y en modelo de obras de arte. En realidad, la causa de que la naturaleza tomara tata importancia en este periodo fueron fenómenos como: los descubrimientos científicos, el interés por la ciencia, el interés por viajar y conocer culturas diversas y el conocimiento del Universo.

El descubrimiento de la Academia de Platón entre unas ruinas antiguas y el célebre jardín de Platón en el que el pensamiento y la cultura se emplazamiento hizo que los jardines en el Renacimiento tomaran gran relevancia, primero en las importantes construcciones (los jardines de Aranjuez, el Escorial) y luego en las casas del pueblo, emulando los jardines de la corte (Felipe II).

Cada uno de los párrafos anteriores corresponde a una de las dos interpretaciones posibles de la Naturaleza en la época: el primer párrafo trata de la naturaleza libre, la viva, la abierta, que se representa en Arcadia de Sannazaro; la segunda concepción de la naturaleza explicada en el segundo párrafo, trata de la tradición artística que se presenta en modo de jardín y que se tiene como una representación del paraíso. Tiene, además de los elementos vivos propios del jardín, algunos componentes artísticos como estructuras arquitectónicas o esculturas en mármol.

ARCADIA

La Arcadia, escrita por Sannazaro es una novela pastoril que trata de un joven que se traslada de Nápoles a Arcadia por un desengaño amoroso. Allí, disfruta de la vida de la que disfrutan los pastores y poetas del lugar. En esta novela, la Naturaleza libre se ve representada.
EL SUEÑO DE POLÍFILO

Volviendo al tema que nos ocupa, la obra El sueño de Polífilo de Colonna es de gran importancia en tanto que realiza una síntesis artística de la época renacentista. Representa la importancia del sueño, de la alegoría (metáfora continuada), del jardín, de la técnica y del amor (la joven Polia). Es una obra compleja (alegoría y simbolismo) pero lo importante es la síntesis artística que realiza y la complejidad del lenguaje con la que está escrita (por lo que tuvo mayor influencia en el Barroco).

La obra está escrita en primera persona y narra el viaje onírico de Polífilo en busca Polia, por un jardín un tanto extraño. La estructura es harto simbólica y de difícil interpretación por lo que va dirigido a un público culto, conocedor de literatura clásica, paisajismo, pintura, ingeniería, geometría, arqueología...

Próxima entrada

Se hablará de los modelos artísticos del Renacimiento, concretamente:

- Neoplatonismo y el universo
- La Naturaleza: Academia y los jardines de Platón
- Arcadia de Sannazaro
- El sueño de Polífilo.

Glosario: épico

El género épico es un género literario opuesto al género lírico. Se relatan hazañas colectivas y suele haber uno o varios héroes que las llevan a cabo.

Glosario: Cantar de gesta


Los Cantares de gesta son poemas épicos que se componen por un gran número de versos. En ellos se narra la historia de algún héroe famoso que siempre sale vencedor de las más difíciles situaciones.

miércoles, 18 de enero de 2012

El hombre en el Renacimiento

En esta entrada se tomarán como referencia las obras Diálogo sobre la dignidad del hombre, El cortesano y Diálogos de amor, para comprender la visión renacentista del hombre, hasta entonces miserable.

Los textos del Renacimiento reflejan fielmente cómo se fue creando un nuevo concepto del hombre, cuyo precedente se encuentra en la Antigüedad. Tanto lo pagano como lo cristiano (posterior a la Edad Media,
pues en aquella época elser humano era inferior), coincidían en que el ser humano tomaba máxima importancia en la Creación, pero toda la literatura hasta entonces se centraba en la consolación por el destino inevitable que aguardaba al hombre y por el hecho de tener una efímera existencia. El Renacimiento da un giro a este tipo de literatura y se encarga de enfatizar el carácter divino del hombre. Ha de tenerse muy en cuenta que el cristianismo en esta época toma al hombre como imagen de Dios y no como alguien inferior y temeroso.

La nueva visión renacentista del hombre se observa claramente en el tratado Diálogo de la dignidad del hombre de Hernán Pérez de Oliva, pues trata de la búsqueda de la felicidad del hombre. Escrita la obra con una estructura dialéctica (Platón), da la opción de conocer varios puntos de vista y razonar sobre el tema, para llegar a la verdad.

Los personajes son Aurelio y Antonio, dos amigos que se encuentran en el campo (veremos más adelante, que el campo es el espacio que se utiliza para el diálogo, como lo hacía Platón). Aurelio (sujeto a la tradición epicúrea) afirma que el hombre es solo un miserable tomando como referencia la Creación divina y que su voluntad es frágil, pues sus instintos superan a su capacidad de la razón. Antonio (sujeto a la idea cristiana del hombre como ser superior) describe al hombre como un ser superior por su libertad. Vemos por tanto, que en esta obra aparecen tanto las influencias paganas como las cristianas, tal y como ocurre en la época.

Como hemos visto en los dos párrafos anteriores, el hombre intenta ser feliz, es algo más que un mísero ser efímero. En El cortesano de Castiglione vemos además, el modelo de hombre que se estila o que al menos se valora en el Renacimiento. El hombre debe realizar ejercicio físico para estar preparado para la guerra, pero también debe saber comportarse, por lo que debe poseer virtudes como la inteligencia, prudencia, saber pintar, bailar y tratar a las mujeres. Ha de ser, por tanto, un HOMBRE DE ARMAS Y LETRAS.
Entre los aspectos más destacables está que la mujer, que aparece por primera vez como personaje que comparte aptitudes con el hombre y gracias al éxito y consecuentemente la difusión de la obra, toda Europa pudo reivindicar lo femenino, que poco a poco fue participando de la cultura.

Uno de los temas de la obra es el amor (tema que se repite una y otra vez, tanto en los trabajos renacentistas como barrocos), que se toma como lo mejor del Cosmos y del individuo. La mujer, la donna angelicata, se convierte en la perfección, en el objeto amoroso, en un ser divino. Encontramos aquí una gran influencia humanista, ese "Dolce still novo" que permite expresarse con sinceridad y de manera afectiva.

Pero para conocer el verdadero sentido del amor en el Renacimiento es necesario nombrar la obra Los diálogos de amor de León Hebreo. El amor ya no es una mera retórica (Petrarca, Cancionero) sino un sentimiento verdadero expuesto sinceramente (volvemos a ver la influencia dantesca).

De nuevo nos encontramos con una obra escrita en forma de diálogo, concretamente, en forma de preguntas y respuestas. Filón, que representa el amor responde con oratoria envidiable a las preguntas de Sofía, que simboliza la sabiduría. El tema es, como ya imaginamos, el amor y también sus implicaciones en la Creación. Por tanto, se pasa con facilidad a los temas de la Naturaleza, los astros y los mitos.

próxima entrada

Sobre:

- Diálogo sobre la dignidad del hombre, Pérez de Oliva.
- El Cortesano de Castiglione
- Los diálogos de amor de León Hebreo